Hélène Prévost

Michel. "Y faut qu'ça pet". C'est le nom de ce que tu appelles une performance. Tu pourras peut-être nous dire si ç'en est une ou non. Et tu dis aussi que c'est une "installation dressée comme un parcours". Est-ce que tu peux nous expliquer cela?

MICHEL SMITH

Je prends le terme "performance" au pied de la lettre. Quand je regarde l'histoire de la performance, c'est venu par les artistes en arts visuels. Il y avait un besoin de s'exprimer en tant qu'artiste "live". Et au départ, j'ai pris position en tant qu'artiste. Ma vision sur moi-même, sur l'art et sur la vie contemporaine telle que nous la vivons. Alors "Y faut qu'ça pète", ça relate un peu le côté performance, le côté personnage musical, le côté artiste ayant une vie sociale, et on essaie de tout mettre ça en un paquet, un petit paquet de trente minutes.

HP : Est-ce qu'il y a une dominante?

MS : Oui. Quelque chose qui brise, quelque chose qui éclate, quelque chose qui doit aboutir...

HP : Peux-tu nous expliquer un petit peu les éléments que tu utilises?

MS : C'est elle qui me sert de parcours d'instruments, d'hôtel religieux. C'est comme mon artefact principal. Mais il se greffe à ça peut-être une trentaine d'accessoires durant la performance. Mais tous les sons électroniques, et sur bande - moi j'ai un micro sans fil où ma voix est amplifiée. Tous ces sons-là sont diffusés par le "DJ control Tower". Je l'ai nommé en anglais parce que je trouve que ça fait ludique comme terme. Et... tous les sons sont diffusés à partir de cette tour. Et cette tour est munie de deux Leslie, vous savez, ces anciens haut-parleurs qui permettaient au son de la Hammond B3 d'être diffusé. C'est un haut-parleur qui tourne, qui crée un effet Doppler. Alors j'ai deux Leslie comme ceux-là sur cette machine qui est complètement motorisée aussi. Je peux conduire ce véhicule avec un "joystick" que j'ai au pied. Ce qui me laisse la possibilité de jouer avec mes deux mains sur un instrument de musique. Alors c'est utilisé durant la performance, autant au niveau de la diffusion qu'au niveau du déplacement dans la salle.

MS : Oui, j'ai toujours aimé être en spectacle. Au départ, mon instrument c'était le piano. Mais je n'aurais pas aimé être pianiste de concert. C'est sur que le théâtre m'a amené à ça. Parce qu'on est souvent nous-mêmes des concepteurs de théâtre et on est derrière la console. Quand le comédiens enchaînent on est dans la salle et on écoute. On est un peu "back stage". On reste toujours à ce niveau-là, même si notre musique est 'portée par la voix des comédiens, ça reste un domaine très assis. Et le besoin de faire des spectacles à l'extérieur en salle, ça fait longtemps que j'ai ça. Et il y au une autre raison. Quand on est compositeur électroacoustique, nos pièces sont souvent diffusées sur bande, ce qui donne un accès un petit peu "austère" à notre musique parce que les gens sont assis dans la salle, et n'ont que le haut-parleur comme source visuelle. Et moi je me suis tout le temps dit que si nous, on fait bouger le son, c'est déjà beaucoup plus intéressant d'écouter une bande où le son est dirigé par un véhicule qui est manipulé par une vraie personne et je crois que ça vient aussi du besoin de voir une performance tout en écoutant une bande. Ça c'est un profond désir qui est là depuis le début de l'électroacoustique. Je trouve ça très intéressant sur le plan sonore, mais c'est mortel pour le spectateur d'être assis à l'italienne, sur une chaise avec un dossier, mais de regarder des haut-parleur, car la musique est abstraite : on ne voit pas les sons bouger. Tandis qu'avec un appareil comme un DJ control Tower, on a cet aspect du son qui bouge. Et qu'on le voit bouger. Et qu'une personne qui fasse bouger ce sons. Ça c'est le premier ingrédient. Par la suite, il y a cet l'aspect : quand j'étais jeune je faisais des sketchs à l'école et j'ai toujours été sur les planches, malgré tout le côté un peu protocolaire de la musique, j'essaie de diversifier un peu ces apparitions.

MS : Comme je le disais au début, le performance, c'est un peu la vie. Autour de nous, dernièrement, il y a des gens qui ont eu le coeur malade : mon père a été hospitalisé pour d'autres raisons en fait - un accident. Donc, je n'ai pas vraiment été confronté à la mort, mais plutôt, au risque de mourir. À la fragilité de la vie. Et j'avais comme paradoxe: "oui y faut qu'ça pète pour renaître, dans la vie, faut régler des choses, y faut passer à d'autre chose". Mais en même temps, il y a toujours le danger que le coeur puisse péter! Il y avait cet aspect là.. Il y avait aussi la mort de Jean-Louis Milette, qui m'a beaucoup touché, comme acteur et comme ami. Parce que cet homme était un homme charmant et très facile à rencontrer, et auquel on pouvait se confier. Il est mort comme ça, par le coeur, sur la rue, disparu... Et c'est très touchant quand on pense à cette fragilité-là, cette bascule vers la mort qui peut arriver par l'arrêt cardiaque. Et il y avait un peu de ça : le personnage à, comme tout le long de la pièce, un malaise. Un malaise un peu avec tout ce qu'il touche. Ce n'est pas très "confortable" disons, comme performance. Et dans une situation aussi de changement mais ce n'est pas nécessairement dans la pièce que ça va se faire mais ultérieurement. Mais on a un personnage en changement. Je ne dirais pas que c'est ma vie, parce que c'est plutôt ce qui nous entoure dans la vie. L'écrivain est comme ça aussi. Il décrit des choses de la vie en filtrant sa propre vision.

HP : Tu as parlé du rapport du corps dans la performance musicale et de l'engagement quand tu décrivais cette machine. On sent qu'elle respire, qu'elle vit avec toi. Il y avait quelque chose de descriptif dans cette musique. On entre dans une sorte de théâtre musical, on suit un fil, avec des tensions et des détentes... Est-ce que tu pourrais imaginer faire une intervention ou une performance musicale plus abstraite? Est-ce que tu serais capable de faire une performance abstraite sur le plan sonore? Sans un scénario, sans un personnage? Une musique plus abstraite seulement pour la beauté de l'objet sonore?